Top Top Top 10 album meravigliosamente imperfetti

Un album di solito è considerato un bellissimo bambino dell'artista; Ma a volte può anche essere il loro brutto figliastro. La deformità, dopo tutto, fa parte della natura e il contrasto aiuta solo ad accentuare i casi di bellezza sfrenata. Ecco 10 artisti che hanno gareggiato per un po 'di bruttezza per far brillare davvero i loro album:

10. Siouxsie and the Banshees 'Tinderbox (1986)

Mentre questo album può essere l'album più avvincente e raffinato di Siouxsie e Banshees, contiene anche alcuni dei lavori atmosferici più morbosamente sperimentali nel repertorio della band. Questo è molto al merito del chitarrista appena reclutato John Valentine Carruthers. È molto la chitarra che, quando non si tira ganci propulsivi lucidati, fa sanguinare questo album e Twitch. La canzone "An Execution" presenta una chitarra che urla e gemente si adatta e ogni sorta di altre interruzioni sonore disgiunte che fanno sembrare la traccia come se fosse tagliata e rimontata a caso.

Siouxsie disse in un'intervista del 1986 con NME: “È molto ben seamato; È tutto cucito. Questo è ciò a cui miravamo."

E questo è certamente quello che hanno raggiunto: un patchwork di macchie di sangue e piazze di cotone sbiancate.

9. Radiohead's Amnesiac (2001)

È facile vedere dove i radiohead potrebbero essere identificati come "roccia astratta", poiché il loro suono che cambia forma sfida sicuramente qualsiasi struttura o logica concreta. Mentre sono in grado di melodie iper-preziose convenzionali (i.e. Negli arcobaleni e nel computer OK), possono cadere dal punto di vista profondo quando vogliono esplorare le stesse possibilità di suono. Amnesiac è il miglior esempio di suoni e rumori non familiari (meno di quello che si potrebbe prendere in considerazione "musica"). Pieno di clic, segnali acustici e miriadi di forme di rumore bianco, l'album è spesso solo un collage sonoro, che raccoglie una varietà di rumori oscuri in un'atmosfera imprecisamente di interessante.

Prendi le canzoni "Push/Pull Revolving Door" e "Like Spinning Tlaces": l'ex sputter, salta e incorpora voci a malapena udibile in cui la canzone suona come un danno cerebrale assoluto, mentre il secondo contiene suoni ronzanti in senso antiora Sembra che la canzone venga infatti riprodotta all'indietro (che in nessun modo inibisce il falsetto appassionato di Thom Yorke).

Il chitarrista Ed O 'Brien ha detto, in un'intervista con il Chicago Tribune, che il loro suono nel disco è un prodotto di un nuovo approccio alla creazione di un disco (che si è applicato anche all'album Kid A che hanno registrato proprio nello stesso periodo) :

“Abbiamo dovuto fare i conti con l'avvio di una canzone da zero in studio e trasformandola in qualcosa, piuttosto che suonarla dal vivo, provandola e poi ottenere una buona presa di una performance dal vivo. Nessuno di noi ha suonato così tanta chitarra in questi dischi. All'improvviso ci sono stati presentati l'opportunità e la libertà di avvicinarci alla musica come fa un attacco enorme: come collettivo, lavorando su suoni, piuttosto che con ogni persona della band che interpreta un ruolo prescritto. È stato un lavoro abbastanza duro per noi adattarci al fatto che alcuni di noi potrebbero non aver necessariamente suonato il nostro solito strumento su una pista, o addirittura suonare qualsiasi strumento. Una volta che hai superato le tue insicurezze, allora è fantastico."

Per coloro che amano Radiohead per la loro semplicità, questo richiede un po 'di abituarsi (e un apprezzamento per tutto ciò che viene dal campo sinistro).

8. Spoon's Ga Ga Ga Ga (2007)

(Inizia alle 1:55)

Gli album dei cucchiai tendono ad essere molto lo-fi. Il loro album più recente, Transfert del 2010, è stato assemblato da un intruglio di registrazioni e dimostrazioni a 8 tracce che suonavano più organiche delle loro sessioni in studio (che alla fine hanno demolito). In tutto il ga ga ga ga, puoi sentire piccole imperfezioni rimaste (voice-over, rumore di fondo, ecc.) Ma la canzone "Ghost of You Lingers" in particolare suoni come il nastro è stata lavata in acido in luoghi selezionati (a partire da il segno 1:55), che aggiunge una terza dimensione simile a un wraith ai temi di un “fantasma persistente."

In un'intervista con a.V. Il club, la bandleader Britt Daniel, ha detto della sua inclusione intenzionale di tic e bordi sfilacciati sull'album, "Penso solo che sia più eccitante. Quando le persone erano solite tagliare i registri dal vivo, c'erano sempre errori che sono rimasti. Faceva parte del fascino. Ti stai perdendo qualcosa se tutto è tutto dottorato e clinico. Quindi quando sentiamo un errore che sembra interessante, facciamo un punto per mantenerlo."

7. Broadcast's Ha Ha Sound (2003)

La tecnologia è completamente moderna ma impostata su "vintage", ai gruppi di ragazze degli anni '60 di La Phil Spector. Ascolta "Winter Now" e ascolta sezioni di corde warped come alcuni classici 45 suonati per la millesima volta.

In un'intervista con Gimmebadvibes.Il cantante Trish Kersan ha detto sulle sue tendenze sperimentali, "L'avanguardia non va bene senza popolare e popolare è spazzatura senza un po 'di avanguardia. Due di loro sono dinamite insieme e stiamo sempre cercando di mirare a una combinazione di entrambi. Non so come lo facciano pure persone d'avanguardia, deve essere un compito ingrato, che spinge indietro i confini verso il veramente strano ed estremo, ma la sua dicotomia è che di solito sono musicisti fantastici."

Ciò che rende la musica di Broadcast in particolare Eery è il fatto che Keenan è morto l'anno scorso, il che imbevve, al rivisitazione, il loro suono con sfumature più spettrali, a dove ti chiedi se si aggrappa sotto tutti quegli strati di riverbero è Keenan stessa, contenuta come una qualche forma energia immateriale.

6. Cabina della morte per le scale strette di Cutie (2008)

(Molto fine della canzone.)

La canzone "Pity and Fear" esemplifica lo spirito dell'album, che è di spontaneità e "Livesità."La canzone continua con uno slancio in aumento fino alla fine, senza una conclusione attentamente concepita. Il risultato suona come un nastro letteralmente tagliato con le forbici troppo presto; Prima di allora, il volume aumenta alcuni decibel senza motivo apparente. Se dovessi scaricare questo album (piuttosto che acquistare una copia digitale o in vinile legale), potresti pensare che fosse un lavoro piraterio scarso.

Il produttore e chitarrista Christopher Walla ha detto dell'album in un'intervista con The Vine, "Il piano generale per le scale strette doveva essere il più invisibile e le mani come un produttore possibile. Ero davvero interessato a vedere cosa sarebbe successo. Quando abbiamo iniziato quel record, eravamo stati in tournée per la parte migliore di due anni. Tutto quello che potevamo ricordare era essere sul palco e suonare. Quindi l'intera idea è stata: cosa succede se siamo solo sul palco e suoniamo, tranne che siamo in studio e stiamo registrando?"

Quello che succede è un suono molto più organico: qualcosa che potrebbe essere stato in plastica e impeccabile invece diventa qualcosa di più umano e incline all'errore, qualcosa di reale. E con un album come le scale strette, che respira e sospira e si sente (dolore), tale strategia di produzione ne migliora solo la risonanza.

5. Beach House's Teen Dream (2010)

(Versetto, a partire dalle 0:40.)

I membri di Beach House Love Reverb. Il loro primo materiale suona come il vinile escluso troppo a lungo al sole. Mentre cercavano di ripulire il loro atto nel loro ultimo album Teen Dream, non lasciarono cadere i loro affetti per quel suono approssimativo.

In un'intervista con Pitchfork, ha detto Alex Scally (Duo-CounterPart) Alex Scally,

"La sensazione che il riverbero ti dà è dappertutto. Che è l'espansione del suono. Sai, Reverb fa quella cosa in cui fai un suono e cresce fino a 20 volte le dimensioni originali e riempie tutto. Considerando che con questo record, penso che stessimo cercando di ottenere la stessa sensazione con la disposizione e i suoni reali."

Victoria Legrand, altra metà del duo, ha dichiarato: “Il riverbero è questa maschera. È uno stile. È come un sipario di pizzo o qualcosa del genere. Ma funziona. Ha funzionato al primo disco e ha funzionato alla devozione, ed è ancora lì su Teen Dream in una certa misura."

Legrand ha anche dato l'impressione di come gli ascoltatori hanno reagito per la prima volta al loro suono, quando una delle loro canzoni era un singolo di iTunes della settimana:

"Erano tipo 'Odio questo! Il mio stereo è rotto!"

4. The Gesù e Maria Chain's Psychocandy (1985)

Gli acquirenti inconsapevoli del primo album di Jesus and Mary Chain, Psychocandy del 1985, devono essere tornati dritto al negozio per un rimborso, dando il suo suono incredibilmente stridente. Basta ascoltare la canzone "Never Amsed" (se puoi sopportarla) e vedere se non sei assolutamente sicuro che a) i tuoi altoparlanti stereo hanno in qualche modo corto a corto circuito o b) la registrazione è semplicemente 3-fila di unghie che graffiano una lavagna.

Il membro della band Jim Reid ha dichiarato in un'intervista con PennyblackMusic, "Molte persone non potevano credere che avessimo il coraggio di salire sul palco e farlo perché non potevamo suonare."

Ha aggiunto, "Che tipo di ci ha tirato attraverso penso che le canzoni fossero piuttosto forti. Forse la gente non poteva ascoltarli perché li stavamo suonando così tanto, ma sapevamo che c'era una canzone di base sotto."

Essere così fortemente influenzati dai Ramones come erano, che mancavano anche un adeguato padronanza dei loro strumenti, non è difficile vedere dove la loro propensione per le melodie corrotte potrebbe essere nata. Ma più che suonando semplicemente in modo sporco, sembravano intenzionati a dare all'ascoltatore acufene.

3. Echo and the Bunnymen (auto-titolo, 1987)

Echo e Bunnymen hanno un suono distinto, un equilibrio tra scanalature strette e atmosfera di chitarra warly. Ma anche con "ordito" flesso in tutto il loro album omonimo (fino a dove l'ascoltatore in vinile fa doppio tocco a condizione del disco stesso), il suono non è quello con cui la band si identifica al meglio.

Il front man Ian McCullough ha lasciato la band dopo questo album. In un'intervista del 1992 ha detto a Q Magazine, "Siamo appena stati risucchiati in una nuova mentalità in quell'ultimo album, The Sound of Radio America. È stato fantastico qui, ma ormai ho pensato che non fossimo più bravi. Stava accadendo abbastanza, gli stati stava costruendo e costruendo ma non si sentiva bene sul palco. Non stavamo davvero comunicando come compagni e cose del genere. Voglio dire, ero abituato a credere che fossimo il miglior gruppo in corso."

A volte troppa purezza può essere devastante per una band che prospera sull'angolarità. Ma anche così, non si può negare il suono essenziale eco che appare in questo album. Forse il problema risiede nel diventare troppo compiacente, troppo familiarità con un territorio musicale così sconosciuto.

2. The Velvet Underground's White Light/White Heat (1968)

(Inizia a disintegrare alle 2:00.)

Questo album è decisamente sciatto come una lattina di stufato di manzo grosso di Campbell. E questo non è al merito di Andy Warhol, produttore di banana-fannatica del loro splendido debutto.

In effetti, dopo la loro mancanza di successo commerciale con il predecessore predefinito con piantaggine, hanno sparato Warhol e con lui, la sua idea di arte.

Gran parte dell'album è stonante e dissonante (un dritto di 17 minuti nell'album più vicino "Sister Ray"), ma la traccia del titolo (che dovrebbe imitare l'esperienza di un alto anfetamina) raffigura al meglio la devoluzione della band nel caos volontario. Dopo due minuti di quelli che sarebbero stati i progetti essenziali di Punk Rock, la canzone si disintegra come se Reed, Cale, Morrison e gli strumenti di Tucker implodevano a metà prestazione. Se un'altra canzone non è entrata immediatamente dopo come una sorta di defibrillatore (i.e. "Il regalo"), potresti aver pensato che il tuo stereo è appena morto.

Siate tranquilli, ciò che viene catturato sul nastro non è completamente senza meta, anche se l'ambito viene lasciato leggermente fuori dal focus:

Descrivendo i 17 minuti di puro caos che comprende "Sister Ray" Lou Reed ha detto: "Stavamo solo cercando di affogarci a vicenda su quello. Qualcuno ha detto 'Chi suona il basso?'Non c'è bassi. 'Quando è finita la canzone?«Sarà finita quando sarà finita."

Dai la colpa ai farmaci o agli spiriti comprensibilmente smorzati, WL/WH è un piatto che è meglio servito in modo accecante (o con un ramekin pieno di velocità).

1. David Bowie's Diamond Dogs (1974)

(Alle 5:00.)

L'album suona come un gigantesco omaggio sonoro al 1984 di George Orwell e, come tale, uno spirito distopico è distintamente presente. Avvicina l'album, “Cant of the Ever Circling Skeletry Family."La canzone si trasforma in un ciclo esasperante, che ha lo scopo di sembrare un disco rotto, in cui il suono ripetuto è" Br, Br, Br, Br, Br ... "

Il suono è il risultato di un ciclo di nastro, ma come va la storia, Bowie intendeva avere la frase "Big Brother".e. il titolo della canzone precedente), ma quando è stato accidentalmente ridotto a un semplice "BR", è andato invece con quello. Il suono, dopo abbastanza ascolti, alla fine inizia a sembrare "run", che è tanto vago quanto è opportunamente minaccioso.

Si dice che Bowie sia stato influenzato, comunque, da William. L'uso di Burroughs della "tecnica di taglio" della scrittura, che è dove prendi un pezzo di scrittura e taglia letteralmente le linee e riorganizzarle in una sequenza diversa, creando così un significato/effetto completamente diverso.

In un'intervista in pietra rolling in cui Bowie e Burroughs discutono dei sogni come fonte di influenza creativa, ha detto Bowie, "Trovo più facile scrivere in queste piccole vignette; Se provo a diventare più pesante, mi trovo fuori dalla mia lega. Non potevo contenermi in quello che dico. Inoltre, se sei davvero più pesante, non c'è molto più tempo per leggere così tanto o ascoltare così tanto. Non ha molto senso ottenere più pesante .. . Ci sono troppe cose da leggere e guardare."

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